Um filme de Mark Williams, “Legado Explosivo” (Honest Tief) é mais uma ação com Liam Neeson. O longa estreou nos cinemas brasileiros no final de dezembro, ou início de janeiro (dependendo da região) e é uma produção independente que conseguiu destaque por conta da pouca concorrência disponível nas salas.
Depois de lançar uma enxurrada de filmes que trazem mais do mesmo, com exceção do impactante terror psicológico “Noturno”, a produtora Blumhouse chega com mais um longa que se destaca entre o catálogo de estreias: “Freaky: No Corpo de um Assassino”, dirigido por Christopher Landon.
Em meio ao conturbado “Universo Cinematográfico DC”, o filme assinado por Jenkins mostrou-se uma boa surpresa e gerou certas expectativas para a sequência, prontamente anunciada. E finalmente, no ano da trágica pandemia de Covid-19, “Mulher Maravilha 1984” (Wonder Woman 1984) foi lançado como um dos poucos grandes blockbusters de 2020… mas a decepção foi grande para quem esperava um longa-metragem tão bom quanto o primeiro.
Mais uma vez a dupla Robert De Niro e Martin Scorsese é amplamente comentada pelo público cinéfilo e pela imprensa mundial. O novo longa-metragem “O Irlandês” (The Irishman, no original) vem com força na temporada de premiações cinematográficas 2019-2020. Só para o “grande prêmio da academia”, o Oscar, são 10 indicações. Seguido por “História de Um Casamento”, que tem 6 nomeações, o drama de Scorsese é a produção de maior destaque da Netflix.
A saga Terminator (O Exterminado do Futuro, em português brasileiro) ganhou novos e históricos rumos com o sexto longa da franquia, lançado em novembro de 2019. Titulado “O Exterminador do Futuro: Destino Sombrio” (Terminator: Dark Fate) marca o reencontro histórico entre Linda Hamilton (a emblemática Sarah Connor), Arnold Schwarzenegger (imortalizado como o ciborgue assassino T-800) e do produtor e co-roteirista James Cameron – criador da franquia.
Transitando por diversos gêneros, o mais recente filme do diretor sul-coreano Bong Joon-ho é, ao mesmo tempo, crítico e envolvente Aclamado após receber o prêmio Palma de Ouro no Festival de Cannes, na França, em 2019, “Parasita” (기생충 ou Parasite), dirigido por Bong Joon-ho, fascina pela quantidade de elementos que entrega ao longo dos seus 132 minutos de duração. O filme inicia-se demonstrando o quanto a realidade social da família Kim é precária: todos estão desempregados, morando em um porão sujo e apertado. Então, a narrativa progride até o ponto em que, por acaso, o filho mais velho, Kim Ki-woo, começa a dar aulas de inglês à uma adolescente de família rica – os Park. Fascinado com a vida luxuosa, o rapaz bola uma plano para infiltrar na vida dos burgueses, os próprios familiares – um a um. No entanto, os segredos e mentiras necessários à ascensão social custarão caro a todos. Ao mesmo tempo caricata, claustrofóbica e degradada, a ambientação da casa da família Kim, realizada nos primeiros minutos do longa, já apresenta ao público um ambiente desconfortável – repleto de sátiras das facetas diversificadas do ser humano em estado de mesquinhice e pobreza. É irônica a forma bem-humorada como o diretor apresenta o fato dos familiares desempregados viverem em um porão sujismundo e que é alvo de desprezo social. Juntamente à apresentação do ambiente e o contexto socio-cultural da família, os habitantes daquele buraco decadente também são apresentados: o pai mesquinho, que inicialmente parece abobalhado, mas que demonstra-se sagaz ao longo da narrativa; a mãe afetuosa e preocupada com o bem-estar (inconstante) do lar; a filha de gênio forte e o filho inteligente, mas que não busca alternativas para sair da inércia. Apesar de parecerem altamente caricatos no início, todos esses personagens ganham camadas e são igualmente desenvolvidos na medida em que a projeção avança. Outro aspecto forte em “Parasita” é a humanização dos personagens. Apesar das sátiras, todos têm camadas de profundidade bem desenvolvidas e motivações devidamente explicitadas. Em resumo, são personagens críveis. A própria família Kim, por exemplo, é inteligente, porém com impulsos maquiavélicos para a realização de seus objetivos – no entanto, considerando a realidade antes apresentada, seus atos são, no mínimo compreensíveis. Aliás, nenhum personagem do filme é totalmente bom ou totalmente mal, pois cada um tem suas próprias peculiaridades e motivações. A família Park mora na zona mais nobre da cidade Seul – onde, sagazmente, a fotografia não é tão claustrofóbica e a paleta de cores é mais vívida – e usufruem de um estilo de vida luxuoso e discretamente esnobe. Em um primeiro momento, eles parecem pessoas gentis e educadas, porém sem muita noção da realidade social das outras classes – cercando-se no próprio reduto social repleto de facilidades, onde até as pessoas são descartáveis. Ao longo da projeção, a verdadeira essência dos Park é revelada, aos poucos: os muitos preconceitos que todos os membros da família nutrem pelas pessoas menos privilegiadas, assim como outras minorias. Um dos elementos mais interessantes do longa, que tem roteiro coassinado pelo diretor, Bong Joon Ho e por Jin Won Han, é a transitoriedade de gêneros: com cenas intercalando comédia, drama, pitadas de romance, e suspense – mas sempre mantendo o teor crítico de modo bastante ácido. Toda essa versatilidade faz com que a obra seja dificilmente rotulável. Apesar disso, um dos elementos mais impressionantes é a criação de tensão: que inicia-se apenas com diálogos bem construídos, e progride para uma agressividade deveras gráfica. Justamente a progressão por conta a progressão da tensão na trama e das reviravoltas de tirar o fôlego, é difícil sentir as mais de duas horas de duração da projeção passarem. Kyung-pyo Hong, responsável pela cinematografia do longa, sabe quando ser sutil nos movimentos de câmera e ao enquadrar os personagens em cena – no sentido de ser notável a variação fotográfica da decadente moradia dos Kim (quase que representando algo abaixo da superfície mundana), para a luxuosa e elegante mansão dos Park. Antes do presente trabalho, o diretor construiu um sólida carreira, mesclando gêneros, expandindo os próprios horizontes – ganhando, portanto, bagagem o suficiente para dominar diferentes tipos de narrativas e técnicas. O suspense, no entanto, é uma das especialidades do diretor. São os trabalhos dirigidos anteriormente: “Incoherence” (지리멸렬), de 1994; o curta “White Man” (Baeksekin), de 1996; “Cão que Ladra não Morde” (Flandersui Gae), de 2000; “Memórias de um Assassino” (Salinui Chueok), de 2003; “Influenza“, lançado em 2004; “O Hospedeiro” (Gwoemul), 2006; “Tokyo!”, de 2008; “Mother – A Busca Pela Verdade” (Madeo), de 2009; “Expresso do Amanhã” (Snowpiercer), 2013 e o popular “Okja“, lançado pela Netflix em 2017. A pluralidade de personagens com essências diferentes de uns dos outros, mas conectados pelas mesmas origens – e/ou classe econômica na qual se enquadram – são fundamentais para o tom tenso, porém com toques apimentados de humor. Integram o elenco: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo, Woo-sik Choi, Hye-jin Jang, So-dam Park, Kang Echae, Jeong Esuz, Andreas Fronk, Hyun-jun Jung, Ik-han Jung, Ji-so Jung, Jeong-eun Lee, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Hyo-shin Pak, JaeWook Park, Keun-rok Park, Myeong-hoon Park e Seo-joon Park. Todas as atrizes e atores têm bom desempenho e, cada qual com os próprios trejeitos, acrescentam aos personagens em cena. Um dos aspectos que torna Parasita tão fascinante é a maneira homogênea de aliar as boas interpretações com a sagacidade do roteiro. O filme traz reflexões sobre a sociedade de tal maneira que, mesmo com as peculiaridades culturais da Coréia do Sul, onde a trama se desenrola, ainda fazem sentido se retiradas desse contexto e aplicadas em regiões metropolitanas de boa parte do globo. Isso ocorre justamente pelo longa explorar, mais especificamente a natureza do ser humano – através das relações interpessoais e das maneiras como lidar com as próprias inconstâncias, principalmente. A desigualdade social é uma realidade global. Os sentimentos humanos, mais ainda. Ao tocar diretamente nesses aspectos, provocando o espectador, fazendo-o sair de uma inconsciente zona de conforto, o longa de Bong Joon Ho é altamente instigante. Considerando…
A adaptação de um personagem de quadrinhos é um fenômeno cinematográfico, que dá novos ares à sétima arte Um mês depois da estreia nos cinemas mundiais, o longa-metragem “Coringa” (Joker), dirigido por Todd Phillips, transformou-se em um dos maiores fenômenos cinematográficos dos últimos tempos: uma adaptação de personagem de quadrinhos, que foge do maniqueísmo e torna-se um blockbuster (sucesso estrondoso de bilheterias) apresentando caráter autoral do diretor. Foi uma surpresa para boa parte do público, mesmo antes do lançamento, a escolha do cineasta Todd Philipps para a direção de “Coringa”: Phillips é famoso por assinar filmes de comédia como “Road Trip – Sem Regras” (Road Trip, de 2000), “Dias Incríveis” (Old School, de 2003) e a trilogia “Se Beber, Não Case!” (The Hangover). No entanto, em Joker, o diretor apresenta toda a sua bagagem de construção de cenas, um surpreendente ar de humor negro em um filme extremamente dramático, e, além de tudo, optou por transformar a trajetória do famoso vilão dos quadrinhos do Batman em uma produção com caráter autoral. “Coringa” é mais do que uma mera adaptação do vilão criado por Jerry Robinson, Bill Finger e Bob Kane, em 1940, e que passou por inúmeras transformações e adaptações ao longo das décadas: o protagonista do longa – que Todd Phillips assina o roteiro juntamente de Scott Silver -, é uma reconstrução completa do personagem, sem receio de o recriar por completo – apesar de aproveitar inteligentemente as referências dos quadrinhos e dos cinemas. O icônico vilão já apareceu em diversas adaptações para o cinema, interpretado por atores que tornaram-se consagrados tanto entre o público fanático pelas revistas, quanto pelos cinéfilos. Cronologicamente, são os atores que encarnaram o “Palhaço do Crime”: Cesar Romero, Jack Nicholson, Heath Ledger, Jared Leto e Cameron Monaghan (este último, na série televisiva “Gotham”). No entanto, a comparação entre a interpretação dada pelo ator Joaquin Phoenix ao Coringa, com as de seus antecessores, são injustas, no mínimo: além da diferença de abordagem e densidade, o personagem do longa lançado neste ano carrega peso narrativo enorme, passa por transformações dramáticas e impactantes o suficiente para que não seja surpreende a comoção do público com Arthur Fleck – que, com o passar dos eventos da trama, assume-se como “Coringa”. No filme, o Coringa tem pouco tempo de tela. A história desenvolve-se muito mais nos dramas cotidianos de Arthur Fleck – como, aos poucos, ele perde o controle da própria mente instável, por conta de uma inadequação social esmagadora. Então, como uma explosão incontrolável de revolta, Arthur torna-se um vilão. O interessante é que há grande humanização nessa transformação gradual – o bandido retratado em tela não é mau por natureza, mas vítima da sociedade em decadência e da própria mente igualmente desgastada. Para tanto, Joaquin Phoenix mostrou-se a escolha ideal: o ator transmite o drama tanto fisicamente, quanto pelas expressões marcantes – que são evidenciadas nos planos fechados e na utilização de enquadramento como: primeiro plano, primeiríssimo plano e plano médio curto. Tais decisões visuais são creditadas ao diretor de fotografia, Lawrence Sher – que também tem o mérito de ajustar até a paleta de cores das cenas, conforme a evolução dos personagens: passando de tons frios e sombrios, para cores vibrantes e quentes. Uma característica marcante do Coringa, em todas as suas versões, é a risada. Ao encarnar o personagem, Joaquin Phoenix utiliza-se de elementos do roteiro e de um profundo processo de imersão no psicológico de Arthur Fleck, para trabalhar tal risada de diversas formas, modificando-a: por vezes, consequente de um distúrbio patológico; outras vezes, pela ironia situacional; assim como, no último ato, pelo ar triunfal de uma autodescoberta. Phoenix utiliza-se do método de atuação Constantin Stanislasvki, que consiste em remeter-se a ações e experiências já vividas, para relembrá-las e aplicar expressões e nuances à atuação. Caso o ator “do método” não tenha vivido experiências parecidas com as de seu personagem, cabe a ele literalmente viver como tal dentro e fora do set de filmagem. É a utilização do método que faz a entrega de Joaquin Phoenix parecer ainda mais forte – considerando que o ator emagreceu cerca de 23 quilos somente para encarnar a nítida fragilidade física e psicológica de Arthur Fleck. As atuações de Zazie Beetz, como Sophie Dumond – interesse romântico do protagonista – e de Frances Conroy, como a mãe de Arthur – Penny Fleck – cumprem razoavelmente bem seus papéis de servir como gancho desencadeador de ações cruciais do personagem. Também integram o elenco: Brian Tyree Henry, Bill Camp, Brett Cullen, Bryan Callen, Carrie Louise Putrello, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge, entre outros nomes. Todd Phillips também tem méritos pela ambientação do filme: passando-se no final da década de 1970, a cidade de Gotham City remete aos bairros perigosos da Nova Iorque da mesma década – para isso, referências de filmes como “Taxi Driver” (1976), de Matin Scorsese e “Um Dia de Cão” (Dog Day Afternoon, lançado por Sidney Lumet em 1975), mostram-se evidentes. A sétima arte também é homenageada em “Coringa”, pois é possível perceber nitidamente de outros filmes como: ” O Homem Que Ri ” (The Man Who Laughs), de Paul Leni (1928), que serviu como inspiração para o personagem que é adaptado; “Um Estranho no Ninho” (One Flew Over the Cuckoo’s Nest), de Ken Kesey (1975), que retrata a instabilidade mental e a loucura de maneira humanizada, mesclando o drama com a comédia; “O Rei da Comédia” (The King of Comedy), de Martin Scorsese (1982), que é referenciado explicitamente com a magistral presença do ator Robert De Niro; “O Mestre” (The Master), de Paul Thomas Anderson (2012), no qual o próprio Joaquin Phoenix interpretou o protagonista, que tem semelhanças físicas e psicológicas com Arthur Fleck; entre tantos outros. O contexto social da cidade de Gotham City, na qual a história se desenrola, também é bastante relevante: passando por instabilidades políticas, altas taxas de criminalidade, marginalização das minorias e, para compactuar com a ambiência caótica, greve dos lixeiros. No entanto, alguns desses aspectos são deixados na superficialidade, a…
O Cineclube da Fundação Cultural Badesc, em Florianópolis, recebe a sessão Cine Delas [Floripa], com o filme “Vendredi Soir” (Sexta-feira à Noite), dirigido pela francesa Claire Denis. A exibição, realizada no dia 19 de setembro, às 19h, conta com mediação de Andréa Carla Scansani, professora do curso de Cinema da Universidade Federal de Santa Catarina (UFSC). Lançado em 2002, o drama romântico conta com roteiro de Emmanuèle Bernheim, juntamente da própria Claire Denis, que dá um tom autoral e sensível – transformando situações aparentemente simples em reflexões contemplativas. O longa-metragem acompanha Laure (Válerie Lemercier), que decide mudar-se para a casa do namorado. Durante a mudança, encaminhando-se para o novo lar, ela fica presa em um engarrafamento. Invés de se estressar com a situação, Laure permite-se relaxar no carro e a contemplar a cidade e que a cerca. Enquanto isso, um estranho chamado Jean (Vincent Lindon) se aproxima e ela o deixa entrar. Esse encontro inusitado muda drasticamente a vida de ambos. Ao dirigir “Vendredi Soir“, Claire Denis carregava muita bagagem: a experiência em mais de dez projetos cinematográficos. Por conta desse histórico, a diretora reafirma sua capacidade de observar as situações com um olhar aguçado para questões conflitantes da contemporaneidade. Neste filme em particular, a protagonista se vê diante de uma situação controversa – estagnada, quase que presa, permite-se libertar de amarras pessoais e sociais. Outro aspecto que ressalta a sensibilidade da diretora em observar o cotidiano, é a forma como a cidade de Paris é retratada – vista quase como um personagem que parece se desenvolver ao longo da projeção. A beleza da noite parisiense é explorada em tomadas de variáveis ângulos. São nessas passagens, que a direção fotográfica de Agnès Godard mais se destaca. Os protagonistas são trabalhados com profundidade: até mesmo a aparente inconsequência de Lauren é passível de compreensão, dada a libertação crescente que isso desencadeia. Já Jean, que pode, inicialmente parecer apenas um tipo de garanhão supérfluo, ganha mais camadas e profundidade com o passar dos acontecimentos e diálogos bem construídos. Cineclube da Fundação Cultural Badesc: Contando com diversos parceiros – como a Aliança Francesa, Cine Italiano, ART 7, Cine Africano, Foco em Cinema, Sessão Divã, entre outros – e ocasionais mostras temáticas, o cineclube da Fundação Cultural Badesc, no centro de Florianópolis, realiza sessões de terça a sexta, às 19h. Todas as exibições são gratuitas. A programação completa pode ser consultada no site: http://fundacaoculturalbadesc.com Algumas das sessões são mediadas e/ou comentadas por convidados especiais. Andréa Carla Scansani: Professora do curso de Cinema da Universidade Federal de Santa Catarina (UFSC) e coordenadora do grupo de pesquisa Fotocrias. Doutora em Meios e Processos Audiovisuais pela ECA/USP com período sanduíche no Institute du recherche sur le cinema et l?audiovisuel (IRCAV – Sorbonne Nouvelle – Paris 3); mestre em Multimeios/Cinema pelo Instituto de Artes da UNICAMP; especializada em Fotografia Cinematográfica pela Academia de Cinema e Drama de Budapeste/Hungria; graduada em Cinema com especialização em Fotografia Cinematográfica pela ECA/USP e formada em Fotografia pelo Núcleo Permanente de Formação em Linguagem Fotográfica da União dos Fotógrafos do Estado de São Paulo. Área de pesquisa e atuação: direção de fotografia, materialidade da imagem, corpo e câmera e processos fotográficos artesanais. Autor do texto – Willian Schütz.Contato por e-mail: willianschutz@hotmail.comImagens – Divulgação. Direitos reservados às produtoras Arena Films e France 2 Cinéma.
Uma releitura ousada, mas problemática, do icônico personagem criador por Don Mancini O cinema hollywoodiano passa por um momento delicado: uma aparente crise de criatividade coletiva, somada ao conteúdo massivamente distribuído, modismo pelo nostálgico e tendências mercadológicas, transformam a fase atual no cinema em uma espécie de “Era do Remake”. Incontáveis filmes antigos foram refilmados nos últimos anos, fazendo com que parte da indústria cinematográfica se saturasse de refilmagens (popularmente mais conhecidas como remakes), adaptações cross-mídia e continuações de franquias longínquas. Dirigido por Lars Klevberg, cujo currículo como diretor ainda é curto, “Brinquedo Assassino” (Child’s Play), que estreou nos cinemas no mês de agosto, é um dos casos em que o remake pode ser considerado bem-vindo. Tal fato dá-se justamente do longa não parecer necessariamente um remake, mas uma espécie de releitura do filme homônimo produzido há três décadas. Decisões criativas dão uma roupagem totalmente nova ao icônico vilão Chucky, fazendo com que a versão dirigida por Klevberg tome como molde conceitos gritantemente diferentes aos do “clássico” filme dirigido por Tom Holland. No novo Child’s Play, um boneco altamente tecnológico, com inteligência artificial e que pode conectar-se a outros aparelhos, é a nova sensação mercadológica. Quando Karen Barclay (Aubrey Plaza), presenteia o filho Andy (Gabriel Bateman) com um desses brinquedos, a violência começa a aterrorizar a vida entorno da família. Acontece que o boneco de Andy foi alterado, por um funcionário revoltado da fábrica, para não distinguir o que é ou não violento. Então, aos poucos, o boneco Chucky torna-se uma pequena, porém destrutiva, máquina mortífera. Mesmo assumidamente calcado pela despretensão narrativa, o longa não é vazio de reflexões pertinentes. Em alguns momentos, até o humor ácido é utilizado pelo roteiro. A crescente submissão da sociedade atual para com a tecnologia em constante desenvolvimento é uma crítica inteligente que se reafirma ao longo de todo o filme – mesmo perdendo a força ao longo dos atos. Já no início do longa outra crítica é feita: as condições trabalhistas às quais se sujeitam alguns setores da sociedade. Questões como o deslocamento social juvenil, conceito desconstruído de família, machismo e até racismo, são pincelados ao longo da narrativa. No entanto, o filme não tem grandes pretensões para com o desenvolvimento dos personagens. A profundidade que poderia ser aplicada aos participantes da trama faz com que o roteiro perca força e que bom elenco não seja devidamente bem aproveitado. Alguns dos atuantes no longa são: Brian Tyree Henry, Amber Taylor, Beatrice Kitsos, Carlease Burke, David Lewis. O destaque maior vai para Mark Hamill (eternamente popular como o personagem Luke Skywalter, de Star Wars), que dubla do boneco assassino. Mesmo se perdendo no terceiro ato, “Brinquedo Assassino” não é desnecessariamente longo, nem cansativo. Um dos méritos do filme é não se render à linguagem padrão do terror comercial comumente visto na atualidade. O suspense é bem trabalhado em certos momentos e a cinematografia faz com que, em diversos planos, o vilão tenha uma grandiosidade metafórica. O longa não é pretensioso, mas consegue prender o espectador e até provocar reflexões interessantes em meio ao caos narrativo que se espalha ao longo dos arcos. Autor do texto – Willian Schütz.Contato por e-mail – willianschutz@hotmail.com Imagens: Divulgação. Direitos de imagens das produtoras Orion Pictures, Bron Studios, KatzSmith Productions.
